在探讨这一问题之前，我们首先要明确摄影和电影（或电视）的定义。摄影通常指的是通过照相机捕捉静态图像的艺术形式，而电影则是通过连续的、动态的图像来讲述故事的一种媒介。尽管两者都属于视觉艺术，但它们之间存在着本质上的差异，这些差异使得它们各自占据了不同的位置在现代媒体环境中。

一方面，摄影是一种可以瞬间捕捉到时间中的片段的艺术形式，它能够以一种简洁而深刻的方式表达画面的美感和情感。这是因为照片具有固定不变的事实性，它们能记录下一个瞬间，从而为观众提供了关于过去的一个凝固化版本。这种特性赋予了摄影强大的叙事力量，让它成为纪实、肖像、风景等多种类型的作品表现手段。

另一方面，电影作为一种动态媒体，不仅能够展现出更丰富的情节，还能让观众沉浸于一个虚构世界之中。这源于其独特的手法——使用连续不断的地球转移与场景切换来创造故事流程，使得观众能够从一个场景逐渐过渡到另一个场景，与此同时也会受到情绪波动和心理变化所影响。在这个过程中，每一帧都是对前一帧进行补充与延伸，是对整个故事发展轨迹不可或缺的一部分。

因此，当我们谈论视觉语言时，将摄影与电影（或电视）制作区分开来，就像是把两个完全不同的工具放在同一起点上去比较一样。每个工具都有其独特性，并且被设计用来完成不同的任务。如果没有这些区分，我们可能会混淆技术层面上的不同，以及这两种媒介如何影响我们的文化体验。

然而，在实际应用中，我们发现这样的界限并不是绝对恒定的。随着科技进步，如数字技术的普及，使得传统意义上的边界变得模糊起来。不少专业人士开始将他们既擅长照相又擅长拍视频的人称作“多媒体师”，而许多作品也越来越难以归类到底是哪一种类型——是否应该只看它是“照片”还是“视频”。

尽管如此，即便是在这种情况下，一些基本原理仍然适用：即使在多媒体产品中，也有一些基本元素如色彩、光线、构图等仍然遵循相同的心理学原理，对用户产生相同的心理效应。而对于那些想要突破传统规则但又希望保持某种核心身份的人来说，他们往往会寻求找到一些新的概念或者方法，以此去挑战传统理解，而不失其核心精神。

总结来说，当我们试图理解视觉语言以及其中涉及到的各种媒介时，无疑需要考虑到它们各自独有的特征和优势。但正如任何其他领域一样，在尝试超越常规的时候，我们也不应忽略那些跨界融合带来的新奇可能性，因为这正是在探索未知领域时最令人兴奋的事情之一。